Yoshitomo Nara: Biografía, Obras y Exposiciones

  • El arte de Yoshitomo Nara, probablemente el artista japonés más cotizado en la actualidad, no es de consumo rápido. Es un arte que requiere un tiempo para establecer el diálogo que su creador nos propone. En 2019, la casa Sotheby’s vendió en Hong Kong su obra ‘Knife Behind Back’ (2000) por una cifra récord en el país: 25 millones de dólares.

    Un reflejo del interior del alma

     

    00. Yoshitomo Nara mural artnet 

    Foto: Yoshitomo Nara. Foto: Ryochi Kawajiri en artnews.com.

      

    “El artista confronta la verdadera esencia de las personas y las cosas […], y como resultado crea obras que funcionan como espejos que devuelven el reflejo de su propio corazón a los espectadores”. Esta poética descripción es la mejor forma de aproximarse por primera vez a la obra de Yoshitomo Nara (Hirosaki, Japón, 1959), probablemente el artista japonés más célebre y cotizado del momento. En 2019, la casa Sotheby’s vendió en Hong Kong su obra ‘Knife Behind Back’ (2000) por una cifra récord en el país: 25 millones de dólares. Pero lejos de ser el “fenómeno comercial” que criticaron algunos ámbitos, el arte de Nara rebosa de sentimiento, trabajo y espiritualidad. Su comprensión y asimilación de las tendencias de los tiempos, junto con una inteligente gestión de las influencias recibidas a lo largo de su vida y de las tradiciones de distintas culturas, han dado lugar a un cuerpo de obra coherente y poderoso que apunta directamente al alma de quien lo contempla. Porque precisamente, la contemplación es una parte esencial del propósito artístico de Nara: sus obras no son de consumo rápido, sino que requieren un tiempo para establecer el diálogo que el artista nos propone. Conceptos como el aislamiento o la soledad, la introspección de la infancia, la rebeldía y la ironía atraviesan su trabajo; son conceptos que Nara solo puede expresar a través de la imagen. Tal y como él mismo dice: “Si lo puedo explicar con palabras, no creo en la necesidad de transformarlo en pintura”.

     

    01. Top Lot Auction Scene Nara  

    Momento de la subasta de la obra ‘Knife Behind Back’ en Hong Kong. Foto: Sotheby’s Press Office HK. En cobosocial.com

     

    Infancia y adolescencia: la soledad y la música

     

    02. Wonderful house n 5 Yoshitomo nara

    ‘Wonderful House Nº 5' (1984). © Yoshitomo Nara. En yoshitomonara.org 

     

    Yoshitomo Nara nace en 1959 la ciudad de Hirosaki, perteneciente a la prefectura de Aomori (Japón). Es el más pequeño de tres hermanos, pero son diez años los que le separan de ellos. Su infancia es más parecida a la de un hijo único de padres trabajadores, lo que hace que pase muchas horas en soledad. Como él mismo ha revelado en alguna ocasión, busca y encuentra el confort en la compañía de los animales, con quienes siente que puede comunicarse sin palabras. Esta necesidad de comunicar en el silencio algo que mantendrá durante toda su carrera artística, y que da a su obra una cualidad distintiva. Los cómics, los libros ilustrados y la animación serán su segundo refugio: la cultura popular norteamericana y japonesa, esta última en forma de anime, forjarán parte de su identidad como artista y como persona. 

       

    03. Mother Yoshitomo Nara

    ‘Mother’ (1987). © Yoshitomo Nara. En yoshitomonara.org

     

    La música será el tercer elemento que moldee la personalidad del joven creador, atraído desde su adolescencia por el entorno del punk rock; las carátulas de los discos serán algunas de sus primeras referencias artísticas. “Donde yo crecí no había museos, así que mi primer contacto con el arte fue a través de las portadas de los discos”. Durante sus años de infancia y adolescencia dibuja y esculpe figuras en arcilla de forma constante; si bien su intención era estudiar literatura, siguiendo el consejo de un amigo decide matricularse en la Universidad de Bellas Artes y Música de la Prefectura de Aichi. En 1985 se gradúa en Bellas Artes, y dos años después obtiene la titulación de Máster.

      

    De Japón a Alemania. Arte que nace del aislamiento

     

    En 1988, Nara decide marcharse de su Japón natal y buscar fortuna en Alemania. Recala en la Academia Estatal de Arte de Dusseldorf, donde pasa seis años como pupilo del pintor alemán A. R. Penck. Durante esos años se dedica a dar clases de arte para sobrevivir, pero el entonces el joven artista aún ve difícil poder vivir de sus creaciones. Al mismo tiempo, en Alemania experimenta un regreso a la soledad y la introspección de su infancia: la barrera del idioma, el clima frío y lluvioso y la ausencia de sol le recuerdan a su tierra natal, y vuelve a recogerse dentro de su propio yo. “Literalmente, allí estaba solo. Me recordaba a mi solitaria infancia. Sentía el frío y la oscuridad de la ciudad, como en mi tierra natal, y la atmósfera reforzó mi tendencia a separarme del mundo exterior”, recordaría años después.

      

    04. people on the cloud 1989

    'People on the cloud' (1989). En liveauctioneers.com

     

    Al mismo tiempo, el artista desarrolla un interés pronunciado por el Neo-Expresionismo alemán y empieza a adoptar algunas características de esta escuela, como las poderosas líneas de recorte y los intensos colores. Son elementos que se pueden ver en las obras que realiza durante esos años, como ‘People on the cloud’ (1989). Lejos de añorar Japón, Nara decide permanecer en Alemania. En 1993 se muda a Colonia y monta su propio estudio: entonces ya ha decidido que quiere vivir de su arte, tal y como les recomienda que hagan a sus alumnos. La sensación de aislamiento que le acompaña continúa reforzándose, pero en lugar de luchar contra ella la utiliza para evolucionar. El año de su llegada a Colonia recibe el encargo de dibujar un cartel publicitario para la película infantil sueca 'Lotta se va de casa', basada en un libro de Astrid Lingren: por primera vez, logra mostrar su arte al gran público.

     

    Un estudio en Tokio: el movimiento Superflat 

     

    06. Hundehütte für 5 Hunde Yoshitomo Nara 

    ‘Hundehütte für 5 Hunde’ (1991) .© Yoshitomo Nara. En yoshitomonara.org

     

    Yoshitomo Nara sigue intentando vivir de su arte, y poco a poco va logrando objetivos. A finales de los 90 realiza varias colaboraciones con figuras de la literatura y la música; durante ese periodo regresa puntualmente a Los Ángeles, para trabajar como profesor invitado en la Universidad de California. Por fin, en el año 2000 vuelve definitivamente a Japón y decide dar un impulso a su carrera como pintor, alquilando un gran estudio de dos plantas en Tokio que también utiliza como vivienda. Al año siguiente, el artista Takeshi Murakami dará nombre al movimiento artístico que empezaba a despuntar en el país: Superflat. Nombres como el propio Murakami, Chiho Aoshima y Yoshitomo Nara comienzan a resonar a nivel mundial, como líderes de una escuela artística inspirada en la tradición japonesa y el consumismo desaforado (que lo emparenta con el Pop Art americano).

       

    07. El nadador Yoshitomo Nara

    ‘El nadador’ (1991). © Yoshitomo Nara. En yoshitomonara.org

      

    El nombre Superflat, súper plano, hace referencia a la estética clásica del manga y el anime: sus grandes planos de color, líneas de recorte y rostros de grandes ojos y expresiones marcadas dan forma a una escuela que tendrá una enorme influencia en el resto del mundo, y dentro de la cual Nara no tardará en destacar. El artista empieza a inspirarse en las máscaras del teatro tradicional japonés y en los grabados ukiyo-e del período Edo. Su obra, además, adquiere una interesante cualidad pictórica que la distancia del resto de los artistas del movimiento, manteniendo las líneas dibujadas a mano y las superposiciones de color características de toda su trayectoria. 

     

     06. Rockandroll Yoshitomo Nara

    ‘Rockandroll will never die’ (2001). © Yoshitomo Nara. En yoshitomonara.org

     

    Después de Fukushima: una nueva visión del arte

     

    El año 2011 supone un punto de inflexión para Yoshitomo Nara. El motivo es un acontecimiento trágico en forma de catástrofe natural: el terremoto y el tsunami de Fukushima, que afectaron de manera particularmente intensa a la prefectura de Aomori, donde el artista pasó su infancia y adolescencia. El impacto del suceso en la persona y la obra de Nara es demoledor. El artista empieza a plantearse el arte como algo sin sentido y sin eficacia real. “Después de todo, nadie necesita arte en una situación extrema”, comentaría en su momento. Durante los meses posteriores, la recuperación paulatina de la zona y el esfuerzo de sus habitantes para recuperar sus vidas cambian de nuevo su punto de vista; las distintas visitas que realiza a la zona afectada y la decisión de realizar una residencia en la zona son claves para su recuperación del impulso creativo. En 2013, el padre de Yoshitomo Nara fallece; junto con su nueva visión del hecho artístico, este acontecimiento hace que se plantee una nueva forma de crear. Recupera la “conversación consigo mismo” que inspiró sus primeros trabajos y empieza a plantearse el arte como un proceso, más que como un fin. Sus pinturas ganan en profundidad, forjándose a través de capas y de significados. Es el caso de obras como ‘Midnight Surprise’ (2017), que ha sido comparada con los lienzos de Mark Rothko por su técnica y su esencia espiritual. 

     

     09. Midnight Surprise Yoshitomo Nara

    ‘Midnight Surprise’ (2017). © Yoshitomo Nara. En yoshitomonara.org

     

    A partir de 2014, Nara comienza a investigar sus raíces y el pasado familiar. Viaja por Japón buscando su herencia y toma fotografías para documentar sus trayectos. Localiza “tierras de nadie” que despiertan su atracción, como las minas de Sakhalin (antiguamente parte de Japón y actualmente perteneciente a Rusia), donde trabajó su abuelo. “Me interesan muchísimo los lugares que no son ni una cosa, ni otra. Que se encuentran entre ambas”, comentará después al respecto. Además de realizar grandes esculturas, instalaciones, pinturas e ilustraciones, el artista se embarca también en proyectos expositivos; en 2017 organiza una exposición para reivindicar la figura del ilustrador Takeshi Motai, cuyo arte ejerce una poderosa influencia en su propia obra. Actualmente, Yoshitomo Nara vive y trabaja a caballo entre sus estudios de Japón y Alemania, donde continúa desarrollando un camino artístico y espiritual alejado de las demandas del mercado. Siempre, acompañado de música como la de Neil Young, que encuentra “llena de espiritualidad y fuerza”. Como su arte.

     

    Exposiciones

     

     

    'Yoshitomo Nara: Nobody’s Fool'. Asia Society Museum, Nueva York (2010-11)

     

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    La primera gran retrospectiva de Nara en la ciudad de Nueva York tuvo lugar entre los años 2010 y 2011. A cargo del Asia Society Museum, permitió a los visitantes descubrir la obra de un artista que ya por entonces destacaba entre los de su generación. La muestra reunió más de un centenar de obra, seleccionadas entre las realizadas a principios de los años 80 y las últimas de su producción.

     

       

     

    Yoshitomo Nara. 'Greetings from a place in my heart' Dairy Art Centre, Londres (2014)

     

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    En 2014, la obra de Yoshitomo Nara desembarcó en la ciudad de Londres a través de la gran exposición en solitario “Saludos desde un lugar de mi corazón”. Fue la muestra más ambiciosa y exhaustiva sobre la obra del artista, programada hasta la fecha en el Reino Unido. El público pudo realizar un recorrido entre las piezas más icónicas de Nara y sus obras menos conocidas, además de entrar en contacto con sus últimos trabajos. En el vídeo, la escritora e historiadora de arte Aindrea Emelife presenta y analiza la exposición.

      

      

    'Life Is Only One!: Yoshitomo Nara'. Hong Kong Jockey Club (2015

     

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    La primera gran exposición en solitario de Yoshitomo Nara en Hong Kong toma el nombre de una de sus obras, ‘Life is only one!’ Una declaración de intenciones por parte del artista, que a través de la selección de obras invitaba a los visitantes a comenzar un diálogo con su obra y su propio universo. La exposición incluyó pinturas, bocetos, fotografías, esculturas e instalaciones multimedia, trazando un recorrido amplio y exhaustivo por la obra reciente de Nara.

     

       

    'Yoshitomo Nara // Retrospective Highlights'. Los Angeles County Museum of Art LACMA (2021-22)

     

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    Esta exposición es, hasta la fecha, la más ambiciosa muestra en solitario de la obra de Yoshitomo Nara. Organizada por el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), tiene vocación viajera: una vez finalizada, las obras del artista se podrán admirar en el Yuz Museum de Shangai, el Museo Guggenheim de Bilbao y el Kunsthal Rotterdam de Ámsterdam. Compuesta por 100 pinturas, esculturas e instalaciones, además de 700 trabajos sobre papel, la exposición es la ocasión perfecta para adentrarse en el mundo del artista y descubrir los nuevos caminos que abre dentro de la figuración actual.

     

    Libros

     

    ‘Yoshitomo Nara’. Yeewan Koon, Yoshitomo Nara. Phaidon Press Limited, 2020

    La obra de Nara es objeto de un necesario análisis en este magnífico volumen, donde se realiza un recorrido de toda la obra de Nara desde sus inicios hasta sus últimos trabajos. Los textos corren a cargo del historiador de arte Yeewan Koon, acompañados de escritos de la mano del propio Nara y fotografías personales del artista. Es el tratado más exhaustivo sobre su trabajo de los últimos diez años: una publicación presentada en orden cronológico, imprescindible para descubrir y comprender la obra del artista.

      

    ‘The Lonesome Puppy’. Yoshitomo Nara. Ed. Chronicle Books, 2008.

    Yoshitomo Nara no considera los libros ilustrados infantiles como meros vehículos de entretenimiento para los más pequeños. Su libro ‘The Lonesome Puppy’ (‘El perrito que quería hacer amigos’, en la edición en español) es, por el contrario, una obra de arte a través de la cual el artista trabaja en la forma de gestionar las emociones más difíciles de controlar: la tristeza, la alegría, el sentimiento de pertenencias… Emociones que, por otra parte, están siempre presente en sus obras. El libro combina relato e ilustraciones, ambos obra de Nara, quien declaró que su intención era también crear un libro ilustrado similar a los que le confortaron a él en su infancia. Una obra deliciosa, perfecta para iluminar los momentos de lectura de los niños y para devolver a los adultos una mirada infantil con la que contemplar el mundo.

     

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Yogacuento en familia

  • Las entradas se recogerán en la segunda planta. . Yogacuento en familia.  Preciosa actividad en la que nuestra Yoguini favorita, Sonia Soleil, narrará un cuento y os hará sentir la historia a través de técnicas de yoga como posturas, respiraciones y mindfulness. ¡No os lo podéis perder! ¡Os va a encantar! Plazas muy limitadas.. Sala polivalente.. http://www.soniasoleil.com/yoga-ninos/. Acceso libre hasta completar aforo.

12.11.2022 - Siroco

  • Phran + Vandala + 1st Degree + Los Niños Terribles

Raymond Pettibon: Biografía, Obras y Exposiciones

  • Los dibujos y murales de Raymond Pettibon gritan en silencio, clamando por el despertar de la sociedad. Su trabajo no busca influenciar a la sociedad, sino mostrar sus propias reflexiones y dejar su interpretación al espectador. Su universo, nacido de la cultura popular norteamericana, es hoy uno de los más influyentes del arte actual. Autodidacta, dibujante compulsivo y cronista y crítico social, Pettibon utiliza una de las técnicas más tradicionales que existen (la tinta sobre papel) para hablar de la sociedad del siglo XXI.

    Una obra, múltiples voces

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    Raymond Pettibon en su estudio de Manhattan. Foto: George Etheredge para The New York Times. En nytimes.com

      

    “Si hay una voz, es múltiple. Incluso dentro de una misma obra”. Estas palabras de Raymond Pettibon son un magnífico resume de su trabajo: un compendio de voces, disciplinas, mensajes y técnicas que reflejan de forma certera el estruendo del mundo actual. Autodidacta, dibujante compulsivo y cronista y crítico social, Pettibon utiliza una de las técnicas más tradicionales que existen (la tinta sobre papel) para hablar de la sociedad del siglo XXI. Si bien sus referentes pasan por Francisco de Goya, Edward Hopper, William Blake o John Sloan, sus dibujos y murales reflejan estereotipos norteamericanos, iconos de la contracultura y seres bestiales o mitológicos. Todos ellos, personajes que conviven en escenarios caóticos y ordenados al mismo tiempo. Son imágenes que confrontan al ser humano con la inmensidad de la naturaleza, pero también con el poder omnipresente de los gobiernos, los totalitarismos, el colonialismo feroz y las intervenciones políticas y militares de su país, Estados Unidos, en el resto del mundo. Aunque hoy sus obras alcanzan cifras millonarias, Pettibon continúa siendo una voz crítica en el arte; una voz múltiple, que repite esos mensajes incómodos que es necesario escuchar.

     

    Primeros años. California y la cultura punk

    Los escenarios de la infancia de Raymond Pettibon (Tucson, 1957) se circunscriben a Hermosa Beach, una localidad costera de California. Allí pasa su infancia dentro de una familia convencional: su padre era profesor de inglés (y escritor de novelas de espionaje en sus ratos libres), y su madre, ama de casa. El futuro artista nace con el apellido Gin, y es precisamente su padre quien le pone el sobrenombre Pettibon (“buen pequeño”, en francés): un apodo que adoptará durante toda su trayectoria artística. Tras los años de instituto, en 1974 ingresa en la UCLA para estudiar económicas; es entonces cuando empieza a publicar en la revista de la universidad algunas de las viñetas que llevaba dibujando desde su infancia. Sin formación artística alguna, Pettibon desarrolla su vocación de forma autodidacta: se inspira en productos de la cultura popular, como los cómics o las series y películas animadas. “Cogí mi estilo de los comics porque no soy el puto Miguel Ángel, ¿vale?” Con estas palabras, Pettibon reafirma sus orígenes y marca el origen de su imaginario plástico. Con 19 años se gradúa y empieza a trabajar como profesor de matemáticas en institutos de enseñanza secundaria, siguiendo la estela de su padre.

     

    01. raymond pettibon punk flyer 1981 artsy  

    Punk Flyer: The Subhumans at Polish Hall (1981). En artsy.net

     

    Durante esos años, Pettibon continúa dibujando viñetas de forma compulsiva, desarrollando un estilo que se mantendrá fiel a la línea y la tinta durante toda su trayectoria. En aquella época su hermano pequeño, Gregg Gin, funda una banda protopunk, Black Flag (nombre sugerido por el propio Pettibon), considerada hoy un grupo de culto. Al mismo tiempo crea también una discográfica, SST, para la cual el artista diseñará el logotipo de la banda: cuatro bloques negros verticales, inspirados en unos pistones. Sus viñetas servirán también como carátula para los discos de las bandas, y se convertirán en flyers; Pettibon produce dibujos y escenas por centenares, una práctica que mantiene también en la actualidad. En aquella época, la escena artística norteamericana empieza a ser ocupada por una generación que rechaza el concepto de la credibilidad y cuestiona su entorno: empiezan a sonar nombres como Ed Ruscha, John Baldessari y Paul McCarthy, entre otros. Muy pronto, el de Raymond Pettibon empezará a destacar.

     

    02. black flag moma 1983 

    Black Flag at Vex (1983). En moma.org

     

    Textos que crecen: Sonic Youth y las primeras exposiciones

     

    Durante esta década, Pettibon continúa produciendo imágenes a un ritmo vertiginoso. Los flyers para publicitar conciertos de distintas bandas continúan produciéndose, pero su trabajo artístico empieza a experimentar un cambio sutil. Los textos comienzan a ocupar más espacio y a destacar por su importancia: las múltiples voces de su obra pugnan por expresarse. En línea con la obra de artistas como Roy Lichtenstein o Tom Wesselman, figuras fundamentales de la escuela pop que empezaron a utilizar el cómic como inspiración durante los 70, las imágenes de Pettibon no cuentan relatos completos, ni siquiera escenas: solo muestran fragmentos. Muchas de estas imágenes aparecen reproducidas en fanzines; la libertad creativa que suponía para el artista no vivir de su arte y no estar sujeto a encargos le permitió crear una obra alejada de cualquier escuela, sobre soportes humildes y con materiales comprados en papelerías y tiendas de barrio.

      

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    Goo. Portada del disco de Sonic Youth (1990). En moma.org.

     

    La década de los 90 alcanza a Pettibon cuando ya es un artista por derecho propio. Su obra ha obtenido ya reconocimiento, y es representado por una prestigiosa galería de Nueva York: la Davizd Zwirner Gallery. En 1990, la famosísima banda postpunk Sonic Youth le encarga la portada de su disco Goo: Pettibon responde a su petición con una viñeta en blanco y negro que a día de hoy es considerada todo un icono, y reproducida en cientos de versiones. Por aquel entonces ya ha hecho varias exposiciones en solitario; dos meses después de entregar el diseño a la banda, Pettibon se encierra en el espacio de la galería y cubre sus paredes con dibujos, collages y textos de gran tamaño, realizados específicamente para el evento. Para desarrollar este trabajo emplea distintas técnicas: por ejemplo, proyecta películas o imágenes opacas sobre papel colgado en la pared, y detiene los fotogramas para calcarlos directamente. Son años de producción febril que empiezan a reflejar algunos de los temas obsesivos del artista: desde ciertos estereotipos de la cultura popular, hasta personajes tan célebres y controvertidos como Charles Manson.

     

    El nuevo milenio: un arte que engloba al mundo 

     

    08. No Title We would then 2009.CreditRaymond Pettibon via Hauser Wirth 

    No title (We would then…), 2009. En hauserwirth.com

     

    Con la llegada del año 2000, la obra de Pettibon no se vuelve más compleja en cuanto a técnica o material. Pero sí evoluciona a la velocidad de la luz, añadiendo cada vez más simbología, iconografía y significado a sus planteamientos. Cada vez trabaja más sobre pared, cubriendo los muros como si de una segunda piel se tratase. En esta época, Pettibon empieza a añadir dibujos creados durante su infancia a sus murales. En los años anteriores, el artista ya había utilizado dibujos infantiles creados por otros niños; a partir de este momento incluye una parte autobiográfica en su trabajo, sumando un poderoso lirismo a lo un punto de vista que hasta entonces había sido fundamentalmente crítico y social. El trazo y el gesto se vuelven más sutiles, y las obras ganan en calidad plástica. Aunque sus personajes icónicos siguen apareciendo (sobre todo los surfers, que ganan protagonismo), los dibujos incluyen cada vez más metáforas plásticas. Al mismo tiempo, Pettibon continúa creando arte para portadas de discos: en 2003, un diseño suyo ilustrará el álbum ‘Have it all’, de la banda Foo Fighters.

       

    11.collection of lines 2019 moma

    Collection of lines, (2019). Raymond Pettibon trabajando en obra sobre mural. En moma.org

      

    Durante la segunda década del milenio, Raymond Pettibon comienza una colaboración fructífiera con otro artista, Marcel Dzama. Ambos trabajan el formato del dibujo y saturan su obra de crítica política y social. Dzama reconoce en Pettibon a uno de sus artistas de referencia; en sus propias palabras, “es el primer artista que llevó el dibujo a un ámbito popular […]. Me gusta más trabajar con Ray que dibujar en solitario”. Pettibon anima a Dzama a trabajar sobre mural, y ambos empiezan a trabajar en obras comunes en la galería que representa a ambos, David Zwirner. Su colaboración es mantiene hasta la actualidad, sumando también la publicación de libros de artista. Hoy, Raymond Pettibon continúa trabajando de forma imparable en Nueva York, donde vive. En el año 2017 el New Museum le dedicó una gran retrospectiva, y su obra está presente en los mejores museos de arte contemporáneo del mundo, entre ellos el Museo Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Centro Georges Pompidou de París, el MoMA de Nueva York y la Tate Gallery de Londres.

     

     09. the ball player 2016

    The ball player / The Dynamieck Diesis (2016) Raymond Pettibon y Marcel Dzama. En sleek-mag.com.

     

    Exposiciones

     

    Raymond Pettibon. MACBA (2002)

     

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    En el año 2002, Raymond Pettibon fue homenajeado con una gran exposición realizada por el MACBA de Barcelona. La muestra permitió al público realizar una auténtica inmersión en su obra, con más de 5.000 dibujos sobre papel, cinco audiovisuales y una serie de murales realizados ex profeso por el artista con motivo del evento. Las obras se acompañaron de música y libros propiedad de Pettibon, procedentes de sus archivos. En el vídeo se puede ver un fragmento de un documental dedicado a su figura, realizado para la exposición.

     

     

    Raymond Pettibon: The Big Picture. Galería David Zwirner, NY (2007)

     

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    Este vídeo recoge el momento en el que comienza la inauguración organizada por la Galería David Zwirner de Nueva York en 2007. En aquel momento fue la séptima muestra con obra del artista realizada por la galería, que le representa. Los dibujos expuestos reflejaban la preocupación de Pettibon por los aspectos sociales y políticos, tocando temas candentes de la época como la Guerra de Irak o la política de asuntos extranjeros.

     

     

    Raymond Pettibon: Are your motives pure? Surfers 1985-2013. Venus Over Manhattan, NY, (2013)

     

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    Esta exposición reunió en su día 40 obras que reflejan uno de los personajes icónicos de Pettibon: el surfer. Todo un icono de la California de los 60, el surfero solitario es un personaje que representa por sí solo el estilo de vida de la Costa Oeste Norteamericana. Sin embargo, a lo largo de las décadas el “sueño californiano” ha ido revelando una cara siniestra y oscura: una imagen engañosa de paraíso distópico. Los dibujos sobre papel del artista, realizados a gran escala o a tamaño de página de libro, reflejan este sentimiento.

     

       

     

    Marcel Dzama y Raymond Pettibon: Let us compare mythologies. Galería David Zwirner, Londres (2016)

     

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    La colaboración entre Dzama y Pettibon se ha repetido en varias ocasiones. Ambos artistas trabajan con el soporte del dibujo, reflejan temáticas y estilos similares y encuentran en sus respectivas obras el complemento perfecto para su propio imaginario. La Galería David Zwirner de Londres expuso entonces una selección de las distintas colaboraciones realizadas entre ambos hasta la fecha: a modo de “cadáveres exquisitos”, los dibujos comenzados por uno de los artistas son terminados por el otro, enriqueciéndose con ambos aportes.

      

      

    A Pen of All Work. Bonnefantenmuseum, Maastricht (2017)

     

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    La muestra 'A pen of all work' fue la primera retrospectiva de Raymond Pettibon en Nueva York. Organizada por el New Museum, a continuación viajó al Bonnefantenmuseum de Maastritch. La selección estaba formada por más de 700 obras, realizadas por Raymond Pettibon desde los años 60 hasta el momento de la inauguración. Una magnífica oportunidad para descubrir la evolución y la riqueza del cuerpo de obra del artista.

     

       

    And what is drawing for? Tel Aviv Museum of Art (2020)

     

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    Bajo el nombre “¿Y para qué sirve el dibujo?”, el Museo de Arte de Tel Aviv organizó en 20202 la primera gran exposición de Raymond Pettibon en Israel. La muestra reunió cerca de 100 dibujos y tres trabajos con soporte vídeo. En las obras se podían identificar los personajes icónicos del artista (el surfer, el jugador de béisbol, Charles Manson…), así como los temas que atraviesan gran parte de su obra: el capitalismo, el gobierno americano y la Guerra de Irak, entre otros.

     

    Libros

     

    'Tramas entrecruzadas'. Raymond Pettibon (2002). Publicado por MACBA.

    Con motivo de la gran retrospectiva organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) sobre la figura y la obra de Raymond Pettibon, la institución publicó este libro donde se recogen parte de las piezas seleccionadas en la muestra. Obras en las que se recogen, tal y como indican los comisarios de la exposición, las influencias de personalidades como Proust, James o Blake: visionarios cuyo rastro se puede identificar en los trazos de Pettibon. Todo un placer para los sentidos y para la reflexión.

      

    ‘My fist R free. 186 Twitter Poems’ . Raymond Pettibon (2021). PCP Press

    La serie Editions Du Piràtes de la editorial PCP Press decidió incluir en 2021 un volumen dedicado a la poesía publicada por Raymond Pettibon en la red social Twitter. El libro recoge los poemas escritos por el artista entre el 27 de noviembre de 2021 y el 28 de julio de 2016, e incluye la provocación sintáctica, la pasión por lo satírico y los poemas de amor característicos de su universo. Las páginas “representan” al propio Pettibon como un personaje ficticio que, tras abandonar a su mujer, se muda a la red social y comienza una existencia artística en solitario.

     

    Point Break: Raymond Pettibon, Surfers and Waves. (2022). David Zwirner Books

    Este libro, publicado por la galería David Zwirner Books, recoge una selección de más de 100 dibujos de surfers, protagonistas de varias series creadas por Pettibon a lo largo de los años. Las páginas reproducen dibujos y pinturas creados a grande y pequeña escala, y murales realizados directamente sobre pared. En las obras de Pettibon, el surf existe de forma paralela a todo lo demás. Los protagonistas de las imágenes son conscientes de forma momentánea de la presencia de la ola, al tiempo que se distancian de la turbulenta realidad que les rodea. Al igual que los personajes, nosotros también nos vemos forzados a enfrentarnos con nuestra propia escala: pequeña y débil en presencia del poder de la naturaleza, que está fuera de nuestro control.

     

    - Raymond Pettibon: Biografía, Obras y Exposiciones -                                - Alejandra de Argos -

Actividad: Visitas taller para familias en el primer trimestre de 2017

  • Las familias con niños de 3 a 12 años que quieran disfrutar del Museo de una forma diferente pueden hacer ya su reserva para las visitas taller de fin de semana que tendrán lugar de enero a marzo de 2017. Blanco sobre blanco, La imaginación del artista o (El título es mío) son algunos de los siete recorridos propuestos para los niños de 6 a 12 años; los más pequeños, entre 3 y 5 años, podrán explorar el Museo con los talleres Inspector Thyssen y Hechizo azul. Una forma lúdica y entretenida de acercarse al arte en familia. Más información Reservas para Amigos del Museo Reservas para público general

Actividad: Navidad en el Museo

  • div#colCentralContenidosInt div.informacionExposicion p a:link,div#colCentralContenidosInt div.informacionExposicion p a:visited{ color: #938E71; border-bottom: medium none; display: inline; padding: 0px; background:none; } Durante el periodo navideño y principios de año, además de las exposiciones Renoir: intimidad (hasta el 22 de enero) y Bulgari y Roma (hasta el 26 de febrero), se puede visitar en el balcón mirador y con acceso libre la muestra dedicada a las ilustraciones que Francisco Bores realizó para el poema “El cuervo” de Edgar Allan Poe (hasta el 5 de febrero). Las exposiciones están abiertas en su horario habitual de martes a domingo de 10 a 19h. y los sábados hasta las 21h., excepto los días 24 y 31 de diciembre que el Museo abre hasta las 15h. y los días 25 de diciembre y 1 de enero que permanece cerrado. Además, hasta el 15 de enero, se ha instalado en el hall un belén napolitano del siglo XVIII en el que destacan por su dinamismo y fuerza, las figuras de los ángeles, junto a las que forman el Misterio -la Virgen, el Niño y San José-, los Reyes Magos y la rica escenografía que ilustra la vida cotidiana de la época: vendedores ambulantes, músicos, viajeros, paseantes, compradores, taberneros y un amplio catálogo de oficios que arropan con su vivacidad y expresividad el Nacimiento de Cristo. En cuanto a las actividades, la visita taller de Navidad Fuga en rojo , dirigida a familias con niños de entre 7 y 12 años, propone descubrir las conexiones entre la música y la pintura en los cuadros de la colección, para después poner en práctica las habilidades plásticas y auditivas de los participantes en el taller. Por último, recordar que también mantienen su horario habitual de apertura tanto la Cafetería-Restaurante , como la Tienda-Librería , con su gran variedad de artículos inspirados en las exposiciones o en las obras de la colección y con originales ideas para regalar en estas fechas. Y otra buena idea para regalar estas Navidades es la Tarjeta Amiga del Museo.

Actividad: Nuevas Visitas Taller para Familias

  • Con el inicio del curso escolar, vuelve una vez más el programa de Visitas Taller para Familias, un conjunto de recorridos diseñados y organizados por EducaThyssen con el objetivo de acercar a las familias con niños al mundo del arte. Para los más pequeños, entre 3 y 6 años, continúa Inspector Thyssen y se estrena una nueva actividad llamada “Hechizo Azul”, en la que se experimenta con ideas y emociones asociadas al color. Para chicos y chicas entre 7 y 12 años, la oferta se amplía a un total de siete itinerarios distintos, con la incorporación de “Blanco sobre Blanco”, que gira en torno a la importancia del color, y “(El título es mío)”, en la que se explora la relación entre la creación plástica y la literaria. Las visitas se realizar los fines de semana en diferentes horarios de mañana y tarde, según el itinerario. El plazo de inscripción para el último trimestre del año se abre el 1 de septiembre. Reservas para Amigos del Museo Reservas para público general Más información

Actividad: Navidades en familia: Fuga en rojo

  • Estas Navidades, EducaThyssen propone a las familias con niños de entre 7 y 12 años descubrir las conexiones que existen entre la música y la pintura en la actividad Fuga en rojo. Tras una visita por las salas en la que se interpretan las obras a partir de conceptos como ritmo, composición, armonía, tono o volumen, los participantes pondrán en práctica sus habilidades plásticas y auditivas en el taller. La actividad se celebra del 23 de diciembre al 8 de enero (excepto los días 24, 25 y 31 de diciembre, 1 y 6 de enero), de martes a domingo, a las 11 y a las 16 horas. La reserva de plazas se abre el 23 de noviembre para los Amigos del Museo y un día después, el 24, para el público general. Más información Reservas público general Reservas Amigos del Museo